installations numériques et exposition en déambulation nocturne

L’association Fées d’Hiver que l’on connaît pour son Parcours des Fées — un circuit d’art in situ sur un sentier de randonnées — est également à la manœuvre de la Folie Numérique. Un espace de création artistique participatif et collaboratif dédié aux arts numériques qui organise Les Folies Numériques. Une biennale d’arts numériques dans les Hautes-Alpes, à Champ Rond, sur son lieu historique de résidence pour présenter ses récentes productions. Après quelques années de pause pour cause de Covid, l’édition 2023 accueille 12 installations lumineuses, sonores ou visuelles à découvrir lors de déambulations nocturnes sur trois soirées, les 11, 12 et 13 août.

Parmi les œuvres qui émaillent ce parcours : le Vortex Incandescent de Scenocosme (Grégory Lasserre & Anaïs met den Ancxt). Une œuvre interactive qui prend la forme d’un polyèdre dont chaque face réagit à la présence et à la distance des visiteurs par une vibration lumineuse et sonore. Les « flammes lumineuses » de ce polyèdre se prolongent également au niveau des montants extérieurs. La présence évolutive des publics autour génère un ensemble de vibrations dynamiques. Fidèle à ses techniques de détournement et de dynamitage des codes et du langage administratif et entrepreneurial, et des techniques de marketing électoral, Le Büro Des Renseignements (Yragaël Gervais & Sarah Grandjean) invite le public à poser des questions météorologiques, animalières, métaphysiques, médicales ou divinatoires au travers d’une étrange machine, La Station Magnétique.

Pour son installation Ka-Ra-Son, Florian Carro met en résonnance des carafes qui changent de couleurs selon la hauteur du son généré par un dispositif fixé sur leur goulot. Deux programmes musicaux se succèdent et pilotent les résonateurs régis selon le principe de Helmhotz… Pour cette édition, Florian Carro a réalisé une autre installation sonore baptisée Cadavre Exquis. Cette pièce reprend le principe du jeu d’écriture initié par les surréalistes en 1925. Plusieurs pavillons et cornets, disséminés dans une pièce, invitent le spectateur à venir tendre l’oreille afin de s’y faire susurrer quelques cadavres exquis réalisés par un algorithme. Ils pourront aussi venir enregistrer leurs propres mots auprès d’une borne prévue à cet effet, afin d’étoffer le dictionnaire de l’algorithme.

Qui dit déambulation, dit silhouettes… Claudine Meyer, Florent Colautti et Erik Lorré ont installé une trentaine de mannequins filiformes dont la texture en treillis laisse passer la lumière (Procession Silencieuse). Ces structures lumineuses interagissent avec leur environnement et les passants. En solo, Florent Colautti s’amuse avec des diapasons au travers d’un dispositif qui fait appel au champ magnétique pour impulser des oscillations (Le Spectre Des Attractions). De son côté, Erik Lorré a mis en scène un étrange ballet sonore qui fait évoluer 50 parapluies ! Inspiré du Jeu de vie inventé par le mathématicien John Conway, cette installation s’intitule Singin’ In The Rain, mais on peut y voir aussi un clin d’œil aux manifestants Hong Kongais de la « révolution des parapluies » en 2014. Cet alignement est programmé pour simuler une sorte de comportement collectif, voire compulsif

Pour son Manège mimétique, David Coignard du collectif Insuto utilise lui aussi un parapluie. Posé sur une platine vinyl et couplé avec un projecteur vidéo, il agit comme une sorte de lanterne magique ayant pris au piège des hommes et des femmes qui essaient vainement d’atteindre le centre de cette installation. Quant à Frédéric Alemany, il nous donne à entendre la vie qui grouille dans un vivarium (Biotopie). Les insectes, vers et autres bestioles produisent des sons qui déclenchent des animations 3D projetées sur les racines filaires de l’installation…

Les Folies Numériques
> du 11 au 13 août, Champ Rond
> http://folie-numerique.fr/festival.htm

En marge du festival d’Avignon, Le Grenier à sel — lieu culturel dédié à la rencontre entre art et innovation — propose un forum dédié aux professionnels sur le thème « spectacle vivant et scènes numériques ». Il est vrai que le théâtre, en particulier, semble un peu figé dans ses problématiques de mise en scène, de décor ou de lumière ; ou du moins, ne pas faire preuve de beaucoup de synergie avec la culture digitale qui irrigue pourtant la création artistique depuis des décennies maintenant.

Les tables rondes qui se succèderont deux jours durant, les 12 et 13 juillet, posent clairement les enjeux : Le théâtre à l’âge du métavers, Scènes hybrides et virtuelles, de nouveaux challenges pour les lieux de diffusion, Explorer les nouvelles dramaturgies avec les technologies immersives, Motion capture : quels usages pour la scène ?, Fabriquer et produire un spectacle XR, Spectacle vivant et technologies, vers des communs numériques ? (avec Eli Commins, directeur du Lieu Unique, Hanna Lasserre, directrice du projet Panthea, et Mathias Chelebourg, CEO de l’Atelier Daruma)…

En parallèle, du 7 au 24 juillet, cette quatrième édition d’Aires Numériques propose 4 événements répartis chacun sur quelques jours. En premier lieu, E.Motion : l’extraordinaire métamorphose. Conçu par la Cie Underground Sugar (Axel Beaumont & Julie Desmet Weaver). Un spectacle en motion capture, en temps réel avec marionnettes numériques 3D. Le pitch : une petite fille, passionnée par les sciences, s’évade dans des visions du monde infiniment petites et infiniment grandes. Elle imagine l’évolution des êtres vivants dans 3000 ans… Une performance est également prévue autour d’une machine qui transpose nos messages en langage floral (L’Éloquence des fleurs). Au cours de la représentation, on pourra observer les missives envoyées se transformer en sculptures de pistils et de pétales ou même en memento mori sous forme de pollen

La Cie Fheel Concepts présentera The Ordinary Circus Girl. Un spectacle qui associe réalité virtuelle et théâtre immersif. Une expérience sensorielle et participative qui nous plonge au cœur de l’univers onirique du cirque contemporain. La Compagnie Atropos nous embarque dans une comédie policière sur l’Intelligence Artificielle avec Qui a hacké GaroutzIA ? Le scénario a été écrit par trois experts de l’IA. GaroutzIA est un chatbot domestique : serviable, efficace, adaptatif. Sa propriétaire, Aurline, autrice de romans à l’eau de rose, est frappée d’Alzheimer. Elle supplie GaroutzIA de garder ses souvenirs dans sa mémoire numérique. Mais ceci est contraire aux lois de la robotique : GaroutzIA doit être réinitialisé à chaque nouveau propriétaire et tout oublier du précédent. Tout se bouscule lorsque son nouveau maître est assassiné…

Aires Numériques #4
> spectacles du 07 au 24 juillet
> forum les 12 et 13 juillet
> Le Grenier À Sel, Avignon
> https://legrenierasel-avignon.fr/

Festival Immersif

Premier festival dédié à la création artistique en réalité augmentée et aux innovations culturelles immersives, Palais Augmenté, revient pour une troisième édition avec pour thème commun l’avatar, les corps virtuels et leur rapport aux corps physiques, politiques et sociaux.

Ce festival, initiative de Fisheye et de la Rmn – Grand-Palais, a pour ambition de dresser un véritable état des lieux des innovations technologiques liées à la culture.

Au programme cette année, un parcours d’œuvres inédites en réalité augmentée créées par des artistes internationaux (Tobias Gremmler, Lu Yang, Liu Bolin, Salomé Chatriot) et accessibles depuis vos smartphones, une exposition immersive (Ines Alpha, Romain Gauthier, Sam Madhu, Kami), des expériences interactives numériques dans des espaces appelés “labs” et une agora publique, abordant des thématiques liées à la création numérique contemporaine.

> du 23 au 25 juin, Grand Palais Éphémère, 2 place Joffre, Paris
> Smartphone + application dédiée + casque nécessaire.
> Réservation obligatoire.
> https://www.grandpalais.fr/fr/evenement/palais-augmente-3

Saluons la naissance d’une nouvelle revue en ligne : .able. Cette plateforme éditoriale gratuite est exclusivement dédiée à du contenu visuel. Films, animations, photographies, rendus architecturaux, storyboards, schémas, photoromans, visualisations de données, bandes dessinées ou de documents scientifiques, l’image sous toutes ses formes est ici au service de véritables essais où le texte est secondaire, accessoire.

Ces publications sont à l’intersection des arts, du design et des sciences et traitent des questions actuelles (climat, économie, technologie…). À destination d’un large public, les propositions sont examinées par un comité de lecture. La revue .able étant multisupports, les contributions doivent être scroll.able, pan.able, zoom.able, story.able ou video.able… Les contributeurs sont invités à choisir un de ces formats pour optimiser leurs créations selon le réseau privilégié (@ablejournal > Instagram, Facebook, Twitter, LinkedIn, Vimeo, YouTube).

.able est conçu comme un numéro unique et sans fin, mis à jour à chaque nouvelle contribution. Parmi les premiers projets visibles : petrification (Emile de Visscher & Ophélie Maurus), Ozu in 2.5D (Ho Tzu Nyen & Clélia Zernik), imprimer la lumière (Mette Ramsgaard Thomsen, Guro Tyse, Martin Tamke & Aurélie Mosse), a world that contains many worlds (Francesca Cozzolino & Kristina Solomoukha), 1,001 handshakes (François-Joseph Lapointe), alchemy of color (Jean-Marc Chomaz & Olga Flór), seeing beyond the frame(s) (Francesco Sebregondi & Emile Costard) Rêve quantique (Virgile Novarina, Walid Breidi & LABOFACTORY), clinique vestimentaire (Jeanne Vicerial et Mécatronique Mines ParisTech).

Placée sous la responsabilité de Samuel Bianchini, artiste et enseignant-chercheur, .able a été initiée par la Chaire arts & sciences de l’École polytechnique, l’EnSAD (École nationale supérieure des Arts Décoratifs) – Université Paris Sciences & Lettres (PSL) et la Fondation Daniel & Nina Carasso ; et bénéficie de nombreux partenariats avec des écoles et universités internationales.

> https://able-journal.org/

bestiaire utopique

À mi-chemin entre robotique low-tech et sculpture sonore, le collectif Tout reste à faire (Mathieu Desailly, Vincent Gadras, David Chalmin) propose un étrange bestiaire. Des insectes géants composés à partir d’éléments de vieux instruments de musique (accordéon, harmonium, clavecin, ukulélé…) qui sont recyclés et réagencés. anima(ex)musica réunit une dizaine de créatures : sauterelle, méloé, scolopendre, cigale, doryphore, cloporte, punaise, scarabée…

Ces créatures mécaniques, qui présentent un aspect steampunk avéré, sont rendues mobiles et animées. Leurs mouvements imitent la discrétion des insectes et se présentent sous forme de micro-déplacements, de vibrations, d’ondulations… Chacune fait l’objet d’une composition musicale dont l’orchestration renvoie aux instruments ayant servi à sa fabrication. Chaque spécimen est doté d’une partition. Leur chant est déclenché par l’intrusion des spectateurs dans son espace et contribue à l’inquiétante étrangeté de la rencontre.

Alors que leur modèle dans la nature sont minuscules, ces reproductions mécaniques surprennent aussi par leurs dimensions. Citant Darwin, le collectif insiste sur ce point : s’il était possible d’imaginer un mâle Chalcosoma avec son armure de bronze poli et ses encornures complexes qui aurait la taille d’un cheval ou simplement celle d’un chien, il deviendrait l’un des animaux les plus impressionnants de la planète.

Cela fait maintenant près de dix ans que ce projet a été initié. Le bestiaire s’est agrandit progressivement. Il est présenté aux Champs Libres à Rennes selon une scénographie qui évoque les alvéoles d’une ruche. Cela permet de présenter trois points de vue différents de l’exposition à savoir : une vision dite souterraine, une vision au sol et une vision aérienne, reproduisant ainsi les trois niveaux possibles des biotopes propres aux insectes. Dernier né, un grillon sera finalisé durant le temps de cet événement, au cours de 3 séances d’atelier. Visible gratuitement jusqu’au 3 septembre, anima(ex)musica sera ensuite présentée à la Cité de la Musique – Philharmonie à Paris jusqu’au début de l’année prochaine.

anima(ex)musica
> du 14 avril au 3 septembre, Les Champs Libres, Rennes
> https://www.toutresteafaire.com/
> https://www.leschampslibres.fr/

Useful Fictions.3 Symbiose(s

L’École des Arts Décoratifs (EnsAD), Polytechnique et la Fondation Daniel & Nina Carasso sont à l’origine de la Chaire arts & sciences qui propose la biennale Useful Fictions — en partenariat avec Hexagram, SIANA, Télécom Paris, UQAM École de Design, Factory (Arts Sciences Citoyens), Le Théâtre de la Ville. Un appel à candidatures est lancé afin de permettre à une trentaine de personnes d’intégrer les Labs Thématiques qui rythmeront cet événement. 

La Chaire arts & sciences a pour vocation de faire dialoguer enjeux citoyens, monde universitaire et pratiques artistiques, pour explorer l’interdépendance à nos environnements vivants et technologiques.

Cette troisième édition de Useful Fictions se propose d’explorer le potentiel des imaginaires symbiotiques en concevant des variations technologiques et biologiques sur le thème du commun, afin d’appréhender ce qui se joue dans les interstices et le pouvoir de transformation de l’intelligence collective.

Useful Fictions se tiendra fin juin sur le campus de l’Institut Polytechnique à Palaiseau et sera suivi d’un week-end d’exposition-restitution les 1er et 2 juillet au Théâtre de la Ville à Paris (actuellement à l’Espace Pierre Cardin). L’appel à candidatures pour cette école d’été est ouvert à toute personne motivée et curieuse, sans condition d’âge ni de diplôme.

Au total, une trentaine de candidats seront retenus pour s’investir pendant une semaine dans l’un des 6 laboratoires de recherche-création encadrée par des artistes, designers et scientifique. Dans un esprit DIY, les candidats seront invités à réaliser un dispositif, une forme artistique hybride ou un prototype autour d’objets connectés, du phytomorphisme, de l’artificialité réactive, du machine learning, de l’aléatoire, de l’éphémère ou bien encore du wokisme…

Useful Fictions.3 Symbiose(s)
École d’été arts-design-sciences
Candidature > formulaire
Date limite de candidature > 17 avril à midi
Résidence du 26 au 30 juin, IP Paris – Palaiseau
Exposition-Restitution les 1er et 2 juillet, Théâtre de la Ville
Contact > chaireartsetsciences@gmail.com
Information > https://chaire-arts-sciences.org

Séquence #5 : arts sonores

Visualiser le son est une exposition collective (sons, vidéos, art génératif, installations interactives, projections, rencontres) qui présente différentes approches quant à ces connexions, et cela à travers différentes perspectives : les partitions graphiques de Chiyoko Szlavnics et Clara de Asís ouvrent la porte vers une conception plus ample et visuelle de l’écriture musicale.

Les vidéos de Simon Girard et Julien Haguenauer, ainsi que les données sonifiées et mises en vidéo par le duo britannique Semiconductor, nous montrent comment les images et les sons peuvent être traités et générés d’une même manière. Les images fixes de Sigolène Valax et Sabina Covarrubias proposent des musiques dont la sonorité est perçue en tant que couleur et forme, tandis que l’art génératif de Guillaume Loizillon révèle le champ des possibles de l’univers du web.

Enfin, l’interactivité et la gestuelle sont mis en évidence dans les travaux de Basile Chassaing et la pièce que [Federico Rodriguez-Jiménez] propose : les capteurs de mouvement ou de son permettant au spectateur de voir le sonore en tant que geste ou en tant qu’image en temps réel. Visualiser le son ouvre une réflexion autour des possibles zones de brouillage entre le son et l’image.

En répondant à l’écriture traditionnelle du phénomène sonore, cette exposition enquête sur l’écriture musicale elle-même et pointe vers de nouvelles directions concernant la notation des mondes sonores contemporains. […] Et s’il est question, dans l’exposition Visualiser le son, de données qui génèrent indifféremment des sons ou des images, d’outils technologiques qui réinventent l’écriture musicale, la programmation cinéma qui l’accompagne dresse quant à elle un panorama des relations entre « audio » et « visuel »…

> du 10 mars au 13 août, Le Lavoir Numérique, Gentilly
> https://lavoirnumerique.grandorlyseinebievre.fr/

La 38e édition de Vidéoformes, le festival international d’arts hybrides et numériques de Clermont-Ferrand, aura lieu du 16 mars au 02 avril et affiche un programme très riche.

Dédié à des créations hybrides, c’est-à-dire mêlant art et science, cet événement invite à parcourir les multiples détournements de jeux vidéo, à aborder les questions environnementales, la perception et la représentation du corps, du paysage, la couleur et des esthétiques culturelles différentes au travers d’expositions, performances, projections et rencontres.

Le festival proposera notamment une sélection de films et d’expériences en réalité virtuelle. Dont I-Real, un projet de réalité mixte qui mélange jeu de plateau et VR conçu par Marc Veyrat en collaboration avec des laboratoires universitaires. Et Inside A Circle Of Dreams, une vidéo 360° des Residents qui utilise des images stéréoscopiques tournées lors du festival Litquake en 2018 à San Francisco.

Des prix seront décernés par des jurys (professionnel, étudiant, SCAM) pour distinguer des vidéos internationales et expérimentales. Des journées de rencontres professionnelles — Actes numériques #4 — confronteront les points de vues des artistes, commissaires, producteurs, diffuseurs, formateurs, enseignants, étudiants…

Soit trois tables rondes qui ponctuent des présentations d’œuvres et d’artistes autour de thématiques choisies : Entre peau et pixels, le corps s’hybride (avec l’artiste Úrsula San Cristóbal et Davide Mastrangelo, directeur artistique du festival IBRIDA), Méta-vidéo, métaverse : l’arrière-boutique du monde… (avec le collectif d’artistes Total Refusal et Hokyung Moon, commissaire d’exposition du Seoul International NewMedia Festival), L’œuvre en soi-même : l’art au cœur d’un monde sans lumière ? (avec l’artiste Agnès Guillaume et Abir Boukhari, directrice artistique du projet AllArtNow).

En parallèle aura lieu Vaudou guéris (sage), une rencontre sous l’égide de la SCAM (Société Civile des Auteurs Multimédia) réunissant Clémentine Raineau, anthropologue, et Henri Tauliaut, artiste techno-performer et enseignant-chercheur.

Des performances AV viendront rythmer le week-end d’ouverture, le 17 et 18 mars, avec DATUM CUT (alias Maxime Corbeil-Perron) qui viendra présenter en première mondiale inex.materia. Une célébration onirique de l’impermanence et de l’obsolescence nourrie par les coupes anarchitecturales, l’archéologie des médias, le cinéma expérimental et l’art vidéo.

Avec Untitled, Rafaël livrera une performance live-cinéma, qui manipule du son et de l’image en direct, basée sur le récent triptyque audiovisuel éponyme. Dans un autre registre, le live-mix vidéo de DZRDR devrait être plus percutant…

Une exposition, éclatée dans près d’une dizaine de lieux (9 pour être précis), nous permettra d’apprécier les installations audio-visuelles d’Anne-Sarah Le Meur (DixVerts), Ursula San Cristobal (Tejer un cuerpo), Total Refusal (Hardly Working), Shunsuke François Nanjo (The Infinite Landscape), Henri Tauliaut (Water Divinity Game), Gary Hill (Afterwards), Mariana Carranza (Ephemeral Angels), Agnès Guillaume (You said Love is Eternity)…

Une exposition collection, Vidéo Art Academy, proposera une sélection de vidéos issues des travaux d’établissements d’enseignement supérieur qui relèvent du champ de l’art vidéo et des arts numériques. Des ateliers d’initiation à la réalité augmentée seront ouverts au public.

Les visiteurs seront également mis à contribution pour l’installation interactive de Mariana Carranza, Forest Stillness. Ce dispositif offre la possibilité de faire pousser des arbres de manière contemplative, d’observer leur croissance avec une économie de gestes… Cette contribution sera validée par des NFT.

Vidéoformes 2023
> du 16 mars au 02 avril, Clermont-Ferrand
> https://festival2023.videoformes.com/

son, bruit, musique, image…

Il reste encore quelques jours pour parcourir l’exposition consacrée à Christian Marclay au Centre Pompidou à Paris. Connu pour ses performances en tant que platiniste (en anglais, turntabilist), il est également reconnu pour ses nombreux « détournements » de disques et samplings vidéo.

Parmi les pièces exposées figurent des vinyles lacérés, balafrés avec des pastilles et du scotch, rayés ou collés en morceaux… Des disques « préparés » pour ses performances justement. C’est principalement sur, avec et autour de ce support musical que Christian Marclay déploie sa pratique artistique liée au son, au bruit, à la musique et à l’image…

Dans cette exposition, on découvre de nombreux détournements, collages, montages. À commencer par les patchworks de pochettes de disque qui composent des instruments étirés (Guitar neck) ou des personnages au corps composite, si ce n’est transgenre (la série Body mix). À ces cadavres exquis s’ajoutent aussi d’autres juxtapositions de pochettes présentant le même motif (pin-up des années 50, chefs d’orchestre exaltés, bouches qui forment une étrange rosace)…

Jouant la répétition d’une même pochette, celle de My Fair Lady (Rex Harrison & Julie Andrew) et des disques qu’elles renferment, Christian Marclay a construit deux gigantesques silhouettes qui ressemblent à des marionnettes (Galatea and Pygmalion). Il a aussi créé de fausses pochettes de disques plus vraies que nature (Imaginary Records).

Selon le principe de l’accumulation, Christian Marclay a aussi érigé des disques en une colonne sans fin qui évoque Brancusi (Endless Column). Beaucoup de ses pièces font d’ailleurs référence, de manière implicite ou explicite, à des monstres de l’art contemporain — comme sa guitare molle qui renvoie à Dali (Prosthesis) — mais aussi au mouvement Fluxus et au Punk.

Pour autant, le vinyle n’est pas le seul support que Christian Marclay soumet à son imagination. Il s’est aussi amusé à tisser une sorte de hamac géant symbolisant les mailles du réseau (Net) avec des bandes magnétiques, ainsi qu’une sorte de coussin, The Beatles, qui comme son nom l’indique est « composé » avec l’intégralité des enregistrements du groupe.

Il bricole également une roue de chariot avec des CDs fondus (Wheel) et forme un cercle avec des K7 audio (Untitled : cassette circle). Il réalise également des œuvres « entremêlées » en déroulant et mélangeant, cette fois au figuré, des bandes de cassettes (Memento, Mashup : diptych with two cassettes, Allover).

Au-delà de la musique et de la diversité de ses supports, c’est plus généralement le son et l’image du son que Christian Marclay s’amuse mettre en valeur. En premier lieu les onomatopées significatives de la BD (Blamm, Schhhh, Swooosh, Whomp, Aaaaah, Poom…) qu’il rassemble, découpe et ré-assemble pour composer des suites, des tableaux ou des portraits dignes du Comic Strip de Gainsbourg. Christian Marclay traque également les marques d’objets, étiquettes de boisson, annonces et enseignes de magasins qui font également appel à des onomatopées (Zoom, Zoom).

De l’image statique à l’image animée : Christian Marclay poursuit son travail sur vidéo, toujours selon le principe de répétition, juxtaposition et variation. Son œuvre emblématique, The Clock, qui séquençait des milliers de scènes de film où l’heure est indiquée, formant un « cadran cinématographique » de 24 heures projeté en indiquant le temps réel lors de sa diffusion n’est pas présentée ici.

Mais on peut revoir Téléphones, une vidéo pré-portable qui date de 1995 et compile des extraits de films avec bruits de cadrans, compositions de numéro, sonneries intempestives, allôôôô stressés et raccrochages frénétiques… Autre bijou dans le même style : Doors. Un exercice de sampling vidéo virtuose, inédit et spécialement réalisé pour cette exposition. Un travail de marqueterie qui enchaîne dans une continuité saisissante les ouvertures et fermetures de portes en démultipliant les personnages qui apparaissent à l’écran comme dans un ballet.

Christian Marclay, exposition au Centre Pompidou, jusqu’au 27 février 2023
> https://www.centrepompidou.fr/

Les Portes Du Possible

Art et science-fiction… C’est un sujet que l’on avait prévu d’aborder dans la revue papier de MCD… C’est le thème de l’exposition Les Portes Du Possible qui se déroule jusqu’au 10 avril au Centre Pompidou – Metz. Un événement qui rassemble des artistes plasticiens, des écrivains, des architectes et des cinéastes autour de 180 œuvres. Une exposition qui se prolonge avec des ateliers, lectures, danses, installations, conférences performées, projections…

À l’heure des blockbusters et des séries, cette manifestation replace les livres comme centre de gravité de la science-fiction. Le parcours d’expo est divisé en 5 chapitres qui portent le nom d’un roman emblématique : Le Meilleur des mondes d’Aldous Huxley, Neuromancien du père du cyberpunk William Gibson, Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? de Philip K. Dick (mieux connu sous le titre Blade Runner), Soleil Vert d’Harry Harrison. Le cinquième volet fait appel à un livre moins connu, La parabole du semeur d’Octavia Butler, qui renvoie au courant de l’afrofuturisme.

Si ces ouvrages ont tous été écrits il y a plusieurs décennies, leurs thématiques restent d’actualité et sont l’occasion d’interroger les problématiques auxquelles nous sommes (toujours ou nouvellement) confrontées, de porter un regard critique sur notre quotidien et notre futur proche. En développant les possibilités du présent, en élaborant des récits à partir d’hypothèses scientifiques ou en concevant des modes de vie et des réalités inouïs, la science-fiction est un genre qui met l’homme face à l’altérité radicale. Elle propose une émancipation des discours politiques dominants, elle incarne la différence, l’utopie politique, le renouvellement profond de notre perception. De ce fait, elle est depuis toujours un terreau propice aux mouvements contestataires.

La fiction spéculative nous irrite, nous fait progresser en nous épouvantant, ébranle les remparts de nos habitudes et ceux de notre conscience. Si elle agit à partir des marges, les thèmes qu’elle aborde sont au cœur des problématiques sociétales actuelles qui nous concernent tous : la fragmentation sociale, l’ultra-capitalisme, les nouvelles formes de panoptisme et de totalitarisme, l’aliénation, le trans-/post-humanisme, la suppression des limites des genres, le colonialisme ou, bien entendu, le désastre écologique et l’obsolescence de l’Homme.

L’exposition, en ne se focalisant pas sur le prisme dystopique dominant, s’appliquera à œuvrer dans le sens d’une revitalisation et d’une réappropriation volontaire du futur. En d’autres termes, ici pas de fusées interstellaires ni d’extraterrestres, mais des ambiances, des situations et des paysages évocateurs d’un à venir incertain ou prometteur au travers de nombreuses vidéos, photos, sculptures, peintures, chorégraphies (The divine cypher d’Ana Pi), conférences (Jean-Michel Frodon, Alain Damasio, Héloïse Brézillon et Norbert Merjagnan), performances (Corps Hybride de Sabrina Calvo et Koji), et d’installations. En particulier Transchrones, une machine hybride conçue par Thomas Teurlai et Alain Damasio qui repose sur le mouvement rotatif de deux cylindres holographiques sonorisés qui génèrent des fictions visuelles et auditives…

Exposition Les Portes Du Possible : art et science-fiction
> jusqu’au 10 avril, Centre Pompidou – Metz
> https://www.centrepompidou-metz.fr/