]interstice[ 18

rencontre des inclassables

Dédié aux arts visuels, sonores et numériques, le festival ]interstice[ propose, sur 12 sites, pas moins de 24 artistes de 8 nationalités, 17 exposants, 7 concerts et performances, une programmation OFF imaginée par le collectif Manœuvre et un colloque international dans le cadre du Millénaire de Caen 2025. Cette 18e édition s’articule autour du thème des paysages contre nature.

Le concept de « paysage » ne cesse de se redéfinir. Le festival souhaite ré-interroger les rapports complexes qu’entretiennent nature, paysage et technique. Il s’agit de questionner les « nouveaux » paysages ou les paysages hybrides que les œuvres numériques proposent.
Comment les artistes figurent ou défigurent-ils/elles le paysage ? Comment le font-ils/elles éprouver ? Avec quels dispositifs et selon quels procédés techniques ? Et surtout quelle est la nature des paysages qu’ils/elles travaillent ?

Paysages virtuels, fabriqués, inconscients, rêvés ; paysages du jeu, de la fiction, de la catastrophe ; paysages microscopiques, contemplatifs, synthétiques, machiniques, fantomatiques… Autant d’approches et d’interprétations proposées pour tenter de se forger un autre regard paysager, ou expérimenter une autre sensation paysagère.

avec Manœuvre, Thomas Andrea Barbey, Vincent Leroy, Paul Duncombe, Thibault Brunet, Diane Morin & Ana Rewakowicz, Joanie Lemercier, Ulrich Vogl, Thomas Garnier, Justine Emard, Thomas Pausz, Rajat Mondal, Linda Sanchez, Pierce Warnecke & Clément Édouard, Claire Chatelet, Heleen Blanken, KL&D, Céleste Gatier, VAKRM, Alex Smoke, Moritz Simon Geist, Exiit & Shaamu, Datum Cut, Thomas Laigle, Rekick, Outrenoir, Joanna OJ…

> du 07 au 20 mai, Caen
> http://festival-interstice.net/

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En d’infinies variations

Cette exposition a été présentée dans le cadre de la biennale Nemo, mais se poursuit jusqu’au 19 avril au Centre Culturel Canadien à Paris. Conçue par Alain Thibault et Dominique Moulon en association avec Catherine Bédard, En d’infinies variations regroupe des créations et installations interactives qui interrogent la notion de série dans l’art.

Alain Thibault, Apollo 11 Dream

C’est évidemment au XIXe siècle, celui de la révolution industrielle, qu’un tel concept commence à s’incarner dans le champ artistique. La reproduction mécanique puis les technologies du numérique ont décuplé les possibilités de décliner une œuvre en une infinie de variations. Plus récemment, les dispositifs, capteurs, logiciels et algorithmes qui président à un semblant d’intelligence artificielle donnent encore plus de proximité à ces déclinaisons qui se démultiplient désormais au travers de vidéos, animations générées en temps réel, processus itératifs, réalité augmentée, installations interactives…

Chun Hua Catherine, Dong Skin Deep, 2019

La déambulation au sein de cette exposition commence par une confrontation avec les étranges autoportraits de Chun Hua Catherine Dong. Cinq photographies, cadrées au niveau du buste, avec le visage masqué par les imprimés de tissus brodés chinois. Extraits de la série photographique Skin Deep, ces portraits symbolisent la culture de la honte si prégnante dans de nombreux pays asiatiques. Ce sentiment opère comme un véritable outil de contrôle social. On peut aussi « regarder » ces portraits avec un smartphone : une application mobile permet de libérer les messages visuels et animés qui sommeillent à la surface de ces visages privés intentionnellement d’identité.

Nicolas Sassoon, The Prophets (Tanaga 1), 2019

En regard, si l’on ose dire, les sculptures de Nicolas Sassoon mêlent le minéral (pierre volcanique en guise de socle) et le multimédia (écran LCD sur lequel défilent des animations pixellisées évoquant des coulées de lave). Baptisée The Prophets, cette série de sculptures se présente comme une interface poétique entre la technologie informatique et les forces géologiques. L’informatique est également au centre des tentures d’Oli Sorenson. Les motifs de ces tapisseries, qui ne sont pas sans évoquer certains tissus africains et sud-américains, représentent des cartes SIM et des puces électroniques. Logique, en un sens, puisque les métiers à tisser Jacquard furent, au tout début du XIXe siècle, les premières machines programmées et programmables grâce à des cartes perforées.

Nicolas Baier, Vases communicants, 2022

Avec sa boîte noire (Black Box), Nicolas Baier nous donne à « ne pas voir » la réplique complète en impression 3D de l’intérieur d’une tour d’ordinateur. Toutes les pièces et composantes ont été reproduites, mais elles sont cachées à l’intérieur du boîtier qui trône comme un monolithe. Une allégorie qui pointe notre foi aveugle en l’informatique et notre ignorance (du moins, pour la plupart d’entre nous) du fonctionnement interne d’un ordinateur. Leurs radiographies ne nous en apprennent pas plus, malgré le rajout d’acide polylactique. Les traces jaunes de ce polymère qui colonise ces clichés font penser à organisme unicellulaire genre blob (Réplications). Cette « confrontation » entre le technologique et le biologique est sublimée dans une vidéo aux reflets d’or, pleine de transparence, de bruits organiques et industriels, qui combine des vues séquencées du studio de Nicolas Baier envahit de machines et des travellings sur des forêts (Vases Communicants).

George Legrady, Anamorph-Lattice, 2020-2022

Les panneaux de George Legrady sont aussi le résultat d’un enchevêtrement d’images. À la base, ce sont de vieilles photographies noir et blanc. Dupliqués des dizaines de fois, ces clichés sont ensuite disposés dans un espace 3D virtuel, sans que leur agencement laisse deviner ce qu’ils représentent. Ils forment une multitude de traits et l’ensemble à l’apparence d’une plaque de métal brossé (Anamorph-Lattice). Les vidéos de Salomé Chatriot présentent aussi des formes enchevêtrées. Celles-ci sont générées à partir du souffle de l’artiste lors de performances interactives (Breathing Patterns). Autre dispositif interactif : People on the Fly de Christa Sommerer & Laurent Mignonneau. Là, ce sont les spectateurs et non pas les artistes qui mettent en mouvement un essaim de mouches qui englobe leurs silhouettes sur écran : lorsqu’une personne bouge, des centaines de mouches artificielles l’entourent en quelques secondes, mais lorsqu’elle reste immobile, les insectes s’envolent.

Laurent Diouf

En d’infinies variations
> cette exposition s’inscrit dans le cadre de Nemo – Biennale internationale des arts numériques
> commissaires d’exposition : Dominique Moulon & Alain Thibault en collaboration avec Catherine Bédard
> du 7 décembre au 19 avril, Centre Culturel Canadien, Paris
> https://canada-culture.org/event/en-dinfinies-variations-2/

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Multitude & Singularité

L’art à l’ère digitale

Multitude et singularité : ces deux notions ne s’opposent pas, mais se complètent pour dessiner notre futur immédiat. La multitude c’est bien sûr celle des réseaux et des données, celle aussi de la manière de représenter et d’appréhender le monde au fil des innovations numériques (virtualité, etc.). La Singularité (avec une majuscule) c’est l’étape suivante, celle où la technologie s’émancipe et surpasse son créateur. Vernor Vinge, mathématicien et auteur de science-fiction, en a rappelé la possibilité au début des années 90s. Un point de bascule qui commence actuellement à s’imposer à l’humanité comme questionnement majeur avec les balbutiements de l’Intelligence Artificielle.

Stine Deja & Marie Munk, Synthetic Seduction: Foreigner. Photo: D.R.

Multitude et singularité : pour l’art à l’ère digital c’est une double source d’inspiration. L’exposition collective éponyme nous en offre un aperçu au travers d’une toute petite dizaine d’œuvres visibles à Paris, à la Maison du Danemark, jusqu’au 25 février. L’emblème de cet événement est l’étrange visage d’une créature synthétique s’observant dans un miroir. Cette installation fait partie de la série Synthetic Seduction de Stine Deja et Marie Munk. Une œuvre collaborative qui « déborde » dans le réel et le virtuel, comme sculpture et installation vidéo. L’humanoïde que l’on voit découvrir son visage et surtout les formes arrondies qui s’empilent sur écran trouvent un prolongement sous forme de grosses excroissances de couleur chair (précision : une chair bien rose d’Occidental marbrée de veines bleues…). Disposées sur le sol de l’espace d’exposition, ces sculptures organiques ne sont pas sans évoquer les poufs des années 70s ; une photo montre d’ailleurs les deux artistes vautrés (lovés ?) dans cette création au penchant « régressif ».

Cecilie Waagner Falkenstrøm, An algorithmic gaze II. Photo : D.R.

La chair est également au centre de l’installation générative de Cecilie Waagner Falkenstrøm. An algorithmic gaze II montre une succession d’images fondues et enchaînées d’hommes ou de femmes qui se déploient selon une chorégraphie au ralentie. Mais ici la « couleur chair » offre une palette plus large, comme affranchie des stéréotypes si souvent reconduits par les algorithmes. La superposition de ces corps hybrides, déformés comme s’ils étaient en cire ou échappés d’un tableau de Dali, témoigne des efforts de la machine pour surmonter ce biais algorithmique en rassemblant des milliers de photographies de nus qui soient à la mesure de nos diversités en termes de genre, d’âge et d’ethnicité.

Mogens Jacobsen, No us (1 off). Photo : D.R.

La multiplicité et la mixité sont aussi à l’image des visiteurs grâce à No us (1 off) de Mogens Jacobsen. Située à l’entrée de l’exposition, cette installation générative invite le spectateur à se regarder dans un miroir semi-transparent qui « cache » une caméra couplée à un système de détection faciale. Ce qui ressemble à une platine disque, « reconfigurée » comme interface de projection, permet d’afficher le visage du visiteur puis de le fusionner avec d’autres visages sur un écran avec une résolution correspondant à celle des débuts de la télévision cathodique. Image de soi encore avec 360° Illusion IV de Jeppe Hein. Ce dispositif plus mécanique que numérique, low-tech donc, repose sur un jeu de miroirs rotatifs. Ce qui surprend c’est le mouvement de l’image qui tourne, comme scotchée sur les miroirs, alors que l’on s’attend à ce que notre reflet reste immobile malgré la rotation du dispositif…

Jens Settergen, GhostBlind Loading. Photo : D.R.

L’installation sonore de Jens Settergen, GhostBlind Loading, comporte également des miroirs ainsi que des pierres et des feuilles (mais pas de ciseaux). Ce décor est la mise en scène d’un dispositif nous permettant d’écouter l’invisible, c’est-à-dire les sons et activités électromagnétiques des appareils électroménagers « intelligents » et autres objets connectés qui ont envahi notre quotidien. C’est un autre élément qui est au centre de l’installation vidéo de Jakob Kudsk Steensen : l’eau. Indispensable à la vie, composante majoritaire de notre masse corporelle, mais aussi à l’origine pour certaines personnes de peur irrationnelle : Aquaphobia est une suite de paysages virtuels fantasmagoriques, de couleur verte bleutée, comme échappés de jeux vidéos ou d’un film d’anticipation

Laurent Diouf

> Multitude & Singularité avec Stine Déjà & Marie Munk, Jeppe Hein, Mogens Jacobsen, Jakob Kudsk Steensen, Jens Settergren, Cecilie Waagner Falkenstrøm…
> cette exposition s’inscrit dans le cadre de Nemo – Biennale internationale des arts numériques
> commissaire d’exposition : Dominique Moulon
> du 8 décembre au 25 février, Le Bicolore / Maison du Danemark, Paris
> https://lebicolore.dk/

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Échantillons de soi

Le narcissisme culmine actuellement au travers des réseaux sociaux où chacun peut se mettre en scène. On y déploie des « personnalités multiples ». On y offre des fragments de notre vie. Des échantillons de soi, donc, entre réel et virtuel, comme l’illustre les œuvres proposées dans le cadre l’exposition collective présentée au centre d’art contemporain La Traverse à Alfortville jusqu’au 13 janvier.

Longtemps, la représentation de soi s’est matérialisée dans la sculpture (buste), la peinture puis la photographie (portrait). Renaud Auguste-Dormeuil reprend les codes de ce marqueur social en photographiant de grands collectionneurs. Ils posent en pied devant l’objectif, souvent dans leurs appartements que l’on devine somptueux, à la mesure des œuvres qu’ils collectionnent… Il y a aussi quelques figures historiques qui détonnent dans cette galerie de personnages. Ce sont Les Ambitieux, autre série photographique. Renaud Auguste-Dormeuil pratique un découpage, un échantillonnage, sur chaque photo : il enlève une bande verticale qui supprime le visage. Les deux parties du cliché sont recollées. Les collectionneurs et les ambitieux affichent de fait une silhouette plus filiforme et surtout anonyme. Ce type de portrait retouché devient alors paradoxalement une sorte d’anti-représentation de soi !

Bettie Nin, Biodiversité. Photo: D.R.

Avec His Story, une série de « vrais-faux » autoportraits générés par IA, Grégory Chatonsky joue également sur la représentation de soi. En l’occurrence celle de l’artiste et des clichés inhérents à ce statut. Les prises de vues et la tonalité des couleurs tracent les contours d’une vie possible d’un artiste au siècle dernier et reprennent certains clichés de la bohème et de l’esthétique des ruines. À l’opposé, Inès Alpha nous projette dans le futur, avec les portraits vidéo en réalité augmentée de mannequins parés de maquillage 3D, liquide et évolutif, qui les transforment en « femmes-fleurs » fantasmagoriques. Émilie Brout et Maxime Marion optent également pour la vidéo. A Truly Shared Love montre la vie idéalisée, déréalisée, d’un couple. Avec son esthétique très plastique, artificielle, cette vidéo 4K de 28′ « surjoue » les représentations normatives (classe, genre & co) en appliquant à la lettre les codes de l’imagerie commerciale…

Fabien Zocco, Dislessia. Photo: D.R.

Dasha Ilina place le spectateur dans un rapport étrange avec Let Me Fix You. Cela tient en partie au processus puisque c’est une vidéo avec ASMR (Autonomous Sensory Meridian Response, en « bon » français : réponse sensorielle culminante autonome…). Le ressort de ce procédé, par ailleurs très en vogue chez certains YouTubeurs, doit beaucoup au ton, soft, qui fait naître un sentiment de proximité, et au son qui agit un peu comme un « massage »… À l’écran, on voit une jeune femme qui entreprend de réparer un robot, décrivant en susurrant les différentes étapes de son intervention. Elle fixe l’objectif et on pourrait se croire à la place du robot. Le trouble s’installe progressivement, au fil du « diagnostic »… Le robot ne semble pas endommager matériellement, mais en proie à une crise de conscience faute d’avoir pu être pleinement au service de son propriétaire, un homme âgé… Dans un autre genre, Dasha Ilina a aussi conçu une sorte de « doudou » pour millennials. Un oreiller brodé d’un smartphone (Do Humans Dream Of Online Connection?)… Kitsch, mais significatif de l’attachement que l’on éprouve vis-à-vis de nos « machines à communiquer ». Qui plus est, la chose est interactive. En s’appuyant dessus, on peut y entendre une histoire, un mythe ou une légende urbaine autour des smartphones. Et chacun est invité à compléter cette histoire sans fin.

Dans un coin de l’espace d’exposition, on aperçoit deux bras qui sortent d’un mur… L’un armé d’aiguilles. L’autre couvert de tatouages représentant les nationalités les plus présentes en France : Bettie Nin, co-fondatrice et directrice de La Traverse, propose ici un « re-up » de sa sculpture Biodiversité. Autre objet de curiosité qui ne se donne pas au premier regard : La Parole Gelée de Fabien Zocco. Cette sculpture de porcelaine est en fait une empreinte vocale, la trace d’un mot qui n’existe pas : « ptyx », inventé par le poète Stéphane Mallarmé pour les besoins de son Sonnet en X… La voix, les mots et la syntaxe se télescopent sur Dislessia, une installation conçue également par Fabien Zocco. Cette sculpture-écran retranscrit les efforts presque désespérés d’une intelligence artificielle pour apprendre l’italien sur la base de phrases grammaticalement fausses. De cette mécanique absurde émane une forme de poésie, celle que l’on retrouve dans l’éternelle répétition des cycles, à la fois tragique et risible. Le titre de l’œuvre, qui signifie dyslexie en italien, fait également référence aux noms féminins communément attribués aux assistants vocaux (Alexa pour Amazon, Cortana pour Microsoft, Eliza pour le M.I.T., etc.).

Laurent Diouf

> Échantillons de soi, avec Ines Alpha, Renaud Auguste-Dormeuil, Emilie Brout & Maxime Marion, Grégory Chatonsky, Dasha Ilina, Bettie Nin et Fabien Zocco…
> cette exposition s’inscrit dans le cadre de Nemo – Biennale internationale des arts numériques
> commissaire d’exposition : Dominique Moulon
> du 29 novembre au 13 janvier, La Traverse, Alfortville
> https://www.cac-latraverse.com/

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Aux Futurs Ancestraux

De l’art numérique aux jeux vidéo

Ce titre au parfum d’afrofuturisme n’est pas pour nous déplaire. Cette exposition est en quelque sorte la « restitution » d’un périple mené par Isabelle Arvers, artiste et commissaire d’expo, au travers de plusieurs « pays du Sud », à la découverte des modalités d’inscription culturelles et sociales des jeux vidéo sous d’autres lattitudes.

Si l’art numérique comme les jeux vidéos sont encore dominés par l’Europe, les États-Unis et, bien sûr, le Japon, le reste de la planète n’est désormais pas inerte, culturellement, par rapport à ce vaste domaine qui fait désormais « jeu » égal avec le cinéma. L’univers des jeux vidéos s’est enrichit au contact d’autres types de représentations, paysages, récits et cosmogonies. Tout comme notre imaginaire (i.e. celui des occidentaux) s’enrichit et surtout se « décolonise » par la co-construction de récits nés de la rencontre entre tradition orale, savoirs endogènes et univers virtuels des jeux vidéo.

Henri Tauliaut. Water Divinity. Photo : D.R.

Avec l’avènement de référents culturels dont les racines peuvent puiser — de nouveau et à nouveau — dans l’animisme, par exemple, et des univers oniriques et ludiques qui se déloient dans le virtuel, dans le métavers, nous sommes invités à changer de paradigme. La science et la pensée humaine ne sont plus les seules sources de connaissances; il est désormais possible de penser à des connaissances « au-delà de l’humain ». Cela implique que la nature, les animaux pensent et que les non-humains peuvent enseigner des techniques et connaissances, en changeant de perspective, comme le propose l’anthropologue brésilien Eduardo Viveiro de Castro.

Démonstration avec l’installation interactive de Laura Palavecino (High In the Sky And Beneath the Stars), les photos et dessins d’Eulalia De Valdenebro Cajiao, les jeux vidéo de Daniela Fernandez (Laidaxai), Henri Tauliaut (Water Divinity) et Matajuegos (Atuel), l’installation-performance de la chorégraphe, artiste et chercheuse, Aniara Rodado (Coca para comer), l’installation vidéo de Tania Fraga (Epicurus Garden), le film d’Isabelle Arvers + Gaël Manangou créé à partir d’un univers virtuel (Liquid Forest), Les Spectographies (film et installation VR) de Carole Chausset Myriam Mihindou &Annie-Flore Batchiellilys, Daniely Francisque et Florence boyer / cie Artmayage, l’interactive installation du collectif Technorisha (eFa)…

Laurent Diouf

exposition Aux Futurs Ancestraux : de l’art numérique aux jeux vidéo
> du 14 octobre au 20 janvier, Espace Multimédia Gantner, Bourogne
> https://www.espacemultimediagantner.cg90.net

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Artifice Numérique #6

Le Hublot présente Artifice Numérique #06, en lien avec OVNi. Après « Végétalisons » puis « Animal », le festival d’arts numériques du 109 à Nice passe aux processus énergétiques… comme les énergies de combustion, photoniques, électriques, calorifiques et vivantes.

Énergies des corps en mouvement avec Nicolas Clauss, One Step Ahead de Cédric Teisseire, énergies du collectif avec Scenocosme, mais aussi du flux de la vague avec Étienne Rey, chaleur du soleil avec l’Œil-Océan de Anne-Sarah Le Meur et d’intelligence artificielle avec Conversation au Soleil de Florian Schönersted et encore l’Attraction de Florent Colautti.

Performance audiovisuelle de chdh avec Nicolas Montgermont & Cyrille Henry (Deciban), d’Antoine Schmitt & Franck Vigroux (ATOTAL)… Mapping-vidéo de Frédéric Alemany (Wasaremix). Conférences avec Eloïse Rolland (Simuler l’empreinte environnementale de votre spectacle), Gilles Bogoaert (Énergie : imaginaire versus réalité)… Ateliers (animation 3D et modélisation)

> du 17 novembre au 02 décembre, L’Entre-Pont au 109, Nice
> https://www.lehublot.net/artifice2023/

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Festival Accès)s( #23

From Solastalgia

Nouvelle dynamique collective, nouvelle équipe, même format : le festival accès)s( est de retour avec une 23e édition « naturaliste » et continue de poser un regard interrogateur sur le monde. La programmation nous rappelle que la création artistique ne peut se dissocier des enjeux sociétaux contemporains, qu’elle s’en fait le miroir et parfois, le remède à nos maux.

La thématique emprunte le concept de « solastalgie » au philosophe australien de l’environnement Glenn Albrecht, qu’il définit comme le résultat des « effets cumulatifs des changements climatiques et environnementaux sur la santé mentale, émotionnelle et spirituelle ». En ligne de mire, la peur liée aux changements engendrés par la crise climatique particulièrement ressentie par les jeunes générations.

De cette éco-anxiété naissent des initiatives réparatrices, optimistes et engagées. Le festival accès)s( nous propose donc de tourner nos regards vers des artistes qui, témoins de la scission entre humanité et règne végétal, tentent de la réduire ou de la réparer. Elle nous invite à retrouver de l’empathie envers le végétal, à en prendre soin, à travers les œuvres sensibles et poétiques d’artistes contemporain.es manipulant le numérique sous ses multiples formes.

avec Donatien Aubert, Louise Boisclair, David Bowen, Anne-Charlotte Finel, Yusuf Henni, Hélène Bertin, Anna Kost, Marta López Lázaro, Simon Magimel, Queenie F. Charles, Lauren Moffatt, Élise Morin, Chloé Mossessian, Hank Mittnacht, MoTH, Phauna, PPaulus & Frère, Sabrina Ratté, Sainte Rita, La Satellite, Summer Satana, Célia Truel…

Festival Accès)s( #23
> From Solastalgia
> du 4 octobre au 25 novembre, Pau + Billère
> https://www.acces-s.org/

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Je est un autre ?

Nos personnalités multiples à l’ère numérique

Pièce maîtresse de la biennale Némo, l’exposition Je est un autre est visible au CentQuatre à Paris jusqu’au 7 janvier 2024. Comme indiqué dans le sous-titre, cet événement est axé autour de nos clones numériques. Copies, doubles, mutants, avatars, identités factices, technologies de l’égo, quêtes de visibilité, (dis)simulations, emprises, deepfakes, chimères, métamorphoses et univers parallèles : nous vivons désormais dans un monde hyper-technologique mais illusoire avec des personnalités multiples. Démonstrations au travers de vidéos immersives, d’installations interactives et autres œuvres hybrides.

Maxime Houot (Collectif Coin), Ataraxie

Je est un autre ? Évidemment avec ce titre rimbaldien on se perd en conjectures… Quid de l’enfer du coup, serait-on tenté de rétorquer en piètre sartrien… On verra, en attendant ce sont les Portes du Paradis que nous ouvre Marco Brambilla (Heaven’s Gate). Une installation vidéo dantesque. Au sens strict, d’ailleurs, puisqu’elle est inspirée par le Purgatoire de Dante. À l’écran géant, qui fait près de huit mètres de haut, se succèdent en boucle sept tableaux retraçant l’histoire du monde et de l’humanité, du Big Bang à nos jours… Une histoire américaine, cela dit car on y reconnaît des symboles de la conquête de l’Ouest et de Wall Street. Entre autres. Pionnier de l’image numérique ayant œuvré par le passé au cinéma (rayon blockbuster), Marco Brambilla a réalisé des collages pour chacune des époques, empruntant une multitude, justement, de personnages et de monstres à de vieux films hollywoodiens. Le résultat est somptueux et envoûtant.

Autre réalisateur ciné et touche-à-tout de l’image numérique, Ismaël Joffroy Chandoutis qui propose Madotsuki_the_Dreamer. Une installation vidéo « mise en scène » dans une chambre de geek ou apparenté. Créée pour la biennale, cette installation tire son nom de l’héroïne d’un jeu vidéo japonais du début des années 2000, obscur et troublant par rapport aux normes des autres jeux de cette période. Comme sur ce modèle, il est aussi question de rêves sans sortir d’une pièce. Ici ce sont les nombreuses personnalités endossées par un individu et incarnées par écran interposé. Au total, il décline 74 identités factices qui vont de la féministe radicale au néo-nazi en passant, bien sûr, par le jihadiste… Le monde des réseaux finalement…

Lifer Heritage, le projet de Montaine Jean, Clare Poolman, Jeanne Rocher et Etta Marthe Wunsch, nous immerge aussi dans un décor de jeu vidéo. Pourtant, ce n’en n’est pas un. Il s’agit de Second Life ; monde virtuel qui fut paradoxalement « réel » un temps avant de s’évaporer une fois l’engouement pour ses îles retombé au tournant des années 2010. Depuis, il reste quelques avatars errant comme des zombies dans des décors datés et froids, dont le rendu n’a pas évolué depuis. Déserté, ce monde virtuel auquel nous avons tous cru à un moment donné est devenu fantomatique. En nous montrant ces avatars « en quête d’auteur », ce collectif s’est livré à un vrai travail d’archéologie numérique. Est-ce que le nouveau métavers connaîtra le même sort ? On est en droit de se poser la question alors que Meta et les casques VR qui n’existaient pas à l’époque de Second Life n’ont pas (encore) rencontré l’adhésion du plus grand nombre.

Bill Vorn, I.C.U. (Intensive Care Unit)

Il est question aussi de virtuel, plus exactement de mausolées virtuels, avec Frederik Heyman (Virtual Embalming). Composé d’étranges petits tableaux en 3D presque kitsch, ses pièces s’imposent comme des reliques d’un nouveau genre. Frederik Heyman a ainsi virtuellement « embaumé » pour l’éternité, ou presque, trois de ses icônes : Isabelle Huppert, Kim Peers et Michèle Lamy. Après tout, pourquoi pas… On revient sur la vidéo assez horrifique et mortifère, il faut bien le dire, avec Ian Spriggs (Cœus, Prometheus, Ichor, Tetrad). Ses portraits vidéographiques se transforment en écorchés, passant d’un visage lisse, léché, à un monstre anatomique que l’on dirait échappé d’un manuel de médecine avec une netteté saisissante… Et puisque l’on parle médecine, on observera aussi avec délectation les robots de Bill Vorn au bord de l’agonie, en unité de soins intensive (Intensive Care Unit), en repensant au fameux « cri des machines blessées »…

Dans un autre genre, mêlant représentation animale et mécanique, les « moutons électriques » de Jean-Luc Cornec (TribuT) avec leurs têtes et pattes composées de vieux téléphones filaires nous renvoie inévitablement à nos comportements à l’heure des smartphones. De manière un peu plus docte, Donatien Aubert entreprend justement de raconter l’histoire des télécommunications, du morse jusqu’aux intelligences artificielles avec des ordinateurs, des blocs holographiques et un film (Veille Infinie). Enfin, on s’approchera prudemment du container dans lequel défilent, avec les mêmes postures que des mannequins, des personnages boursoufflés et affichant des couleurs pastels (Maison Autonome). Créées par le Collectif Universal Everything, ces entités 3D constituent aussi le visuel de cette édition 2023 de Némo.

collectif Universal Everything, Maison Autonome. Photo: D.R.

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Je est un autre ?
Nos personnalités multiples à l’ère numérique
> exposition au CentQuatre à Paris
> jusqu’au 7 janvier 2024
> https://www.biennalenemo.fr/

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Némo

Biennale internationale des arts numériques

Némo est de retour en cet automne 2023. Comme les éditions précédentes, la Biennale Internationale des Arts Numériques essaime à Paris et dans toute l’Île-de-France jusqu’au début de l’année prochaine. Plus d’une vingtaine de lieux sont investis pour cette manifestation.

collectif Universal Everything, Maison Autonome. Photo: D.R.

L’inauguration de cette biennale tentaculaire s’est faite au CentQuatre à Paris avec l’exposition Je est un autre ? dont le titre reprend les mots de Rimbaud. Derrière cette assertion, c’est toute une thématique autour des représentations et personnalités multiples que chacun abrite désormais grâce (ou à cause) du numérique.
Copies, doubles, mutants, avatars, identités factices, technologies de l’égo, quêtes de visibilité, (dis)simulations, emprises, deepfakes, chimères, métamorphoses et univers parallèles font désormais partie de notre quotidien.
C’est tous ces « effets miroirs » qui sont mis en scène dans cette exposition au travers de vidéos immersives, d’installations interactives et autres œuvres hybrides conçues par Jean-Luc Cornec (TribuT), Marco Brambilla (Heaven’s Gate), Bill Vorn (Intensive Care Unit), Frederik Heyman (Virtual Embalming), Ian Spriggs (Cœus, Prometheus, Ichor, Tetrad), Donatien Aubert (Veille Infinie), Encor Studio (Alcove LTD)…

Pendant trois mois, d’autres expositions, spectacles, installations, rencontres et performances viendront creuser ce sujet et rythmeront le déroulé de la biennale le temps d’une journée, d’une semaine ou de plusieurs mois. Ainsi jusqu’au 5 janvier à La Capsule, le Centre culturel André Malraux du Bourget, Chen Chu-Yin et Daphné Le Sergent extrapolent autour des DAO (Decentralized Autonomus Organizations) ; en français les Organisations Autonomes Décentralisées. Soit des « communautés internet » formées autour d’un intérêt commun que les deux artistes abordent par le biais de la mémoire artificielle et de l’intelligence collective.

Au Cube de Garges, une exposition collective enterre avec un peu d’avance le monde digital, celui du geste sur nos écrans tactiles, pour nous faire entrevoir le monde de demain, celui des interfaces actionnées par la pensée. Intitulée Cerveau-Machine, cette exposition prévue jusqu’au 16 décembre réunie notamment Memo Akten, Maurice Benayoun, Justine Emard, Neil Harbisson & Pol Lombarte, Mentalista, Adrian Meyer, Julien Prévieux, Marion Roche… Un cycle de projections, deux œuvres de réalité virtuelle réalisées par Mélanie Courtinat et Lena Herzog, un live de Sugar Sugar et une performance audiovisuelle de TS/CN (Panorama) sont également prévus en écho à cette expo.

TS/CN, Panorama. Photo: D.R.

Échantillons de soi est une autre exposition collective autour des « personnalités multiples » qui nous hantent dans le réel comme dans le virtuel et de la pratique d’échantillonnage (son, image). Ou approchant. Les œuvres d’Ines Alpha, Renaud Auguste-Dormeuil, Emilie Brout & Maxime Marion, Grégory Chatonsky, Dasha Ilina, Bettie Nin et Fabien Zocco présentées à La Traverse, Centre d’art contemporain d’Alfortville, brouillent également, pour certaines du moins, la frontière entre sphère privée et monde de l’art.

Au Centre Culturel canadien à Paris, du 7 décembre 2023 au 19 avril 2024, il sera question d’Infinies Variations par le biais des créations de Nicolas Baier, Salomé Chatriot, Chun Hua, Catherine Dong, Georges Legrady, Caroline Monnet, Oli Sorenson, Nicolas Sassoon, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau et Timothy Thomasson. C’est le troisième volet d’une trilogie conçue par les commissaires d’exposition Dominique Moulon, Alain Thibault et Catherine Bédard qui explorent, cette fois, la notion de série telle qu’elle se présente dans l’histoire de l’art depuis le XIXe.

Au Bicolore, l’espace culturel et la plateforme digitale de la Maison du Danemark à Paris, sur une thématique voisine (Multitude & Singularité) appliquée aux êtres comme aux technologies, on découvrira des œuvres de Stine Deja & Marie Munk, Jeppe Hein, Mogens Jacobsen, Jakob Kudsk Steensen, Jens Settergren et Cecilie Waagner Falkenstrøm qui reflètent la complexité du monde dans sa version numérique. Aux Gémeaux, Scène nationale de Sceaux, du 8 au 17 décembre, la compagnie Adrien M & Claire B présentera Dernière minute. Une installation doublée d’une expérience immersive qui inclue les spectateurs. Le concept : une minute est étirée sur une demi-heure. La source d’inspiration : le décès d’un père et la naissance d’un fils. Le sujet : l’intervalle, cette fameuse minute, qui précède la vie ou la mort…

Stine Deja & Marie Munk, Synthetic Seduction: Foreigner. Photo: D.R.

Début décembre également, lors de l’Open Factory #7 au CentQuatre, on pourra aussi solliciter Tally, l’apprentie artiste quantique mise au point par Matthieu Poli avec Alexis Toumi et Sven Björn Fi. Cette intelligence artificielle (impossible d’y échapper dans une telle manifestation) utilise les possibilités uniques de l’ordinateur quantique pour composer des œuvres abstraites qu’elle dessine ensuite à l’aide de bras robots. Elle apprend continuellement en intégrant les réactions du public, définissant ainsi une sensibilité artistique propre. Contrairement aux intelligences artificielles génératives classiques qui se contentent de reproduire l’existant, Tally cherche à comprendre en profondeur la structure des œuvres d’art. À voir…

Durant ce trimestre riche en propositions artistiques, on retiendra aussi Lumen Texte, la performance « pour un vidéo projecteur et un plateau vide » du Collectif Impatience au MAIF Social Club à Paris. Chutes, l' »opéra électronique » source d’expérience synesthésique de Franck Vigroux / Cie Autres Cordes à la MAC de Créteil. La nouvelle version d’A-Ronne, le « théâtre d’oreille » conçu par Luciano Berio & Sébastien Roux, proposée par Joris Lacoste au même endroit. Cette pièce sonore explorera les ambiguïtés entre voix et électronique, voix amplifiées ou réverbérées dans l’espace, voix jouées dans le casque ou entendues « à travers » le casque.

On testera Earthscape ou la déambulation philosophique initiée par la Cie Zone Critique, sur un modèle rappelant les dérives situationnistes (en plus sérieux…), qui investira la Scène de Recherche de l’École Nationale Supérieure Paris-Saclay à Gif-sur-Yvette. Sur l’esplanade de La Défense, on retrouvera une autre installation d’Encor Studio, Hemispheric Frontier — un cercle clignotant de néons assez hypnotiques se reflétant sur une surface aqueuse — et la Lune Dichroïque de Jérémie Bellot. Une sorte de grosse boule à facette translucide et colorée. Nourri par la géométrie polyédrique et les arts mathématiques, nous dit-on, ce plasticien et architecte de formation, interroge le rôle de la lumière dans l’espace vécu et dans l’espace perçu à travers des dispositifs audiovisuels immersifs.

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Némo
Biennale internationale des arts numériques
> jusqu’au 7 janvier 2024
> https://www.biennalenemo.fr/

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Mouvement et Lumière #2

Le mouvement et la lumière, comme l’espace et le temps, ont toujours fait bon ménage sur le plan scientifique et artistique. Preuve en est — si besoin était — au travers d’une expo « grand angle » qui met en perspective des œuvres d’art cinétique, géométrique, optique et numérique d’artistes pionniers, pour beaucoup disparus, et de la jeune génération déjà bien affirmée. Les pièces ne sont pas cloisonnées selon leur époque, ni leur courant, mais dialoguent entre elles selon les procédés utilisés et l’esthétique évoquée. Le public est invité à découvrir plus de 80 œuvres jouant avec le mouvement et la lumière — naturelle ou artificielle — au travers d’un parcours thématique en 6 étapes.

On commence avec « Les Équilibres Naturels » où l’on perçoit non seulement l’espace environnant, mais aussi les forces vitales et invisibles de la nature : aux courants d’air qui animent les mobiles de Calder et Shingu, répondent les mises en tensions électromagnétiques de Takis. Plus loin, Pol Bury semble s’inspirer de la lenteur des poussées végétales pour mettre ses « Ponctuations » en mouvement, tandis que Laurent Debraux et Emmanuel Lagarrigue optent pour une approche hypnotique, que ce soit par le mouvement ou le son. Laurent Pernot prend un chemin plus poétique. Andrea Bowers est sur le registre de l’activisme et Carsten Höller est plus cartésien en utilisant, comme tant d’autres avant lui, la suite mathématique de Fibonacci.

Un hommage est également rendu dans le jardin extérieur à Jesús Rafael Soto avec « Pénétrable BBL bleu », sculpture monumentale et participative que le public est invité à traverser, et 5 autres œuvres représentatives de son travail. Cette couleur — le bleu — réagissant à la lumière blanche souligne la transparence, le volume et le mouvement du mobile sphérique de Julio Le Parc (cofondateur du G.R.A.V., Groupe de Recherche d’Art Visuel, auto-dissout en 1968). Minimalistes ou plus excentriques, « Les Lumières de la ville » sont sublimées par Dan Flavin, François Morellet (autre représentant disparu du collectif G.R.A.V.) et Jenny Holzer.

D’autres jeux de lumière, impliquant « Reflets et Éclats », viennent troubler notre perception de la réalité pour mieux la révéler. Les œuvres miroirs de Haegue Yang, Jeppe Hein, Regine Schumann ou Keith Sonnier fracturent notre espace ou le colorent, tandis que l’absence de reflets dans l’œuvre de Raphael Hefti nous déstabilise. […] Tatsuo Miyajima joue avec la synesthésie, qui porte certaines personnes à associer des couleurs aux lettres ou aux nombres. Félicie d’Estienne d’Orves compose avec des données sur les supernovae… […] Certains artistes explorent l’effet de la lumière sur les matériaux. Elias Crespin décompose les couleurs par la mécanique. Carlos Cruz-Diez les superpose grâce aux rayons lumineux qui traversent sa sculpture. Les matières chez Philippe Decrauzat créent des irisations, soit des décompositions de la lumière à leur surface, ou des effets de moirage chez Miguel Chevalier.

Dans la section de l’expo intitulée « L »Œil du Moteur », ce sont nos yeux qui sont les moteurs des effets optiques des œuvres proposés par Grazia Varisco, Nino Calos, Martha Boto, Hugo Demarco, Victor Vasarely, Iván Navarro ou Chul-Hyun Ahn qui nous aspirent dans des profondeurs de miroirs et de néons… Ces « Hypnoses Géométriques » peuvent aussi reposer « simplement » sur le contraste entre le noir et le blanc pour créer des images rémanentes – c’est-à-dire la persistance rétinienne d’une sensation après la disparition de sa cause – qui animent et font vibrer les formes géométriques simples qu’ils utilisent. […] L’apparente simplicité des œuvres cinétiques est trompeuse. Les carrés et les cercles souvent utilisés se multiplient ou se déforment pour nous plonger dans un mouvement comme chez Marina Apollonio ou Francisco Sobrino, une profondeur chez Antonio Asis et Joël Stein […] et se déclinent en couleur, avec Yaacov Agam, Ueli Gantner, Cesar Andrade, Siegfried Kreitner et Luis Tomasello ou en lumière chez Angela Bulloch. …

Mouvement et Lumière #2
> jusqu’au 1er novembre, Fondation Villa Datris, L’Isle-sur-la-Sorgue. Entrée libre.
> https://fondationvilladatris.fr/fondation-villa-datris/exposition/

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